Steve Jobs (or Aaron Sorkin): The Orchestra Conductor

A controversial figure, a man idolised and loathed in equal parts... Steve Jobs. This is the character chosen by Aaron Sorkin for his latest produced screenplay. The reason Sorkin is mentioned before the director -Danny Boyle- or the main actor -Michael Fassbender- would be that this is one of the great screenwriter and masters of dialog of our time; furthermore, he is the orchestra conductor, as the main character defines himself in the film.

The film deals in the minutes prior to the presentation of three relevant products in the history of computers as well as for the chronology of the story written by Aaron Sorkin. Each segment is about thirty minutes long in real time, backstage, where we find the dramatic elements that compose a mathematical three structure act. The introduction takes place the day of the presentation of the first Mac in 1984, whilst the development takes place in 1988, when Steve Jobs came back with a vengeance and showed the world the NeXT personal computer, a venture unrelated tu Apple. We make a leap to 1998 for the last act, with the presentation of the iMac. Throughout the film we get a few nods to what could have been the origin of other Apple devices such as the iWatch, iPad or iPod.

The development is not only mathematical due to juming to a different space and time in each act, but also because we keep going back to the same characters and how their relationship with Steve Jobs change. We find amongst them the relationship between a great Michael Fassbender as the extravagant boss and an amusing Kate Winslet in the role of a Marketing Executive with the patience and familiarity to deal with him. Another important relationship, if not the most, would be between the entrepeneur and the child whose paternity he denied although he did economically maintain her and the mother (Katherne Waterson). The child being played by different actresses for each act (eye-catching and surprising was the youngest of all, Mackenzie Moss). We also see how Jobs interacts with a father figure in the character played by Jeff Daniels, a friend in Seth Rogen and a worker played by Michael Stuhlbarg. All of the actores make the roles their own showing ease in delivering Sorkin’s fast and witty dialogue (which makes sense with Jeff Daniels given his experience in ‘The Newsroom’).

Shot in different formats to show the evolution of time and transition between the analogical and digital age (16mm for the first act, 35mm for the second and digital for the third), the film seems simple in its design, but with the lines on the screenplay, the way in which they come to life with the actors portrayals and the pace of an outstanding editing. Although Danny Boyle has not been mentioned as much, it is one of his best films since “Trainspotting” and “28 days later”. His work is completely in the service of the script, but also employs some interesting and practical visual ideas, as well as working out with his actors the blocking and choreography, always in motion.

Overall, an effective, savvy and precise film, with a great use of the music and a great mise-en-scene. A poetic story of Steve Jobs, the orchestra conductor, who in another layer of analysis would be Sorkin himself.

Steve Jobs -o Aaron Sorkin-: el director de orquesta

Una figura controvertida, un hombre idolatrado y odiado. Empresario, genio, explotador, visionario, artista... Steve Jobs. Este es el personaje escogido por Aaron Sorkin para la última película que escribe. La razón por la que Sorkin es el primer mencionado, antes que su director -Danny Boyle- o el actor principal -Michael Fassbender-; es que uno de los grandes guionistas y dialoguistas de nuestro tiempo es, como el personaje que da título a la película dentro del relato: el director de orquesta. 

La película abarca los minutos previos a la presentación, entre bastidores, de tres productos relevantes dentro del mundo de la informática y son fechas relevantes en la cronología del relato que compone Aaron Sorkin. Cada segmento ocupa algo más de media hora, en tiempo real, entre bastidores donde se sintetizan y concentran los elementos necesarios para componer una estructura de tres actos de forma matemática. La introducción tiene lugar en la presentación del primer Mac en 1984, el desarrollo tiene lugar en 1988 -con un componente de venganza- con la presentación del cubo NeXT, una vez el empresario se encontraba fuera del organigrama de Apple. El desenlace da un salto más largo hasta la presentación del iMac en 1998. A lo largo de la película veremos guiños también a otros dispositivos de la casa como el iWatch, iPad o el iPod. 

El desarrollo de la película no es sólo matemático por dividir esos tres actos en tres instancias espacio-temporales distintas, sino que vemos cómo empieza y cómo cambian las relaciones con una serie de personajes específicos en cada uno de esos tres actos. Los magníficos Michael Fassbender como el extravagante jefe y una interesante Kate Winslet como la directora de marketing con la paciencia y la mano necesaria para tratar con el protagonista. Otra relación con gran peso dramático es la que tiene con su hija, cuya paternidad niega a pesar de hacerse cargo de las necesidades económicas de su expareja -Katherine Waterson- y la niña con una actriz para cada uno de los actos -ojo a Mackenzie Moss, la más pequeña, que se come la pantalla-. A lo largo de los tres actos vemos también cómo trata y cómo evolucionan las relaciones con una figura paternal encarnada por Jeff Daniels, un amigo en Seth Rogen y un trabajador en el personaje de Michael Stuhlbarg. Todos ellos recitando los agudos e ingeniosos diálogos de Sorkin con gran comodidad (Jeff Daniels tiene experiencia en eso con The Newsroom). 

Rodada en distintos formatos para retratar el paso del tiempo de la era analógica a digital (rodada en 16mm el primer acto, 35mm el segundo y digital el tercero), la película es sencilla en su concepción, pero con esos diálogos sobre el papel, la forma en que cobran vida en boca del elenco actoral y con un gran montaje que siempre mantiene el ritmo. Danny Boyle, del que parece que me he olvidado, entrega uno de sus mejores trabajos desde Trainspotting o 28 días después. Se trabajo está completamente entregado y al servicio del guión, pero con algunas ideas visuales interesantes, además de destacar su trabajo en el blocking con los actores, en constante movimiento.

En definitiva, una película solvente, eficaz y precisa, con un muy buen uso de la música, y una gran la puesta en escena y montaje. Un poético relato sobre, Steve Jobs, el director de orquesta, que en otro plano de lectura sería el propio Sorkin.

The Martian: Ultimate Survival

The latest Ridley Scott film has a strong and unceremonious beginning. We’re on the surface of the red planet with a crew of astronauts when a storm catches them by surprise. After Mark Watney (Matt Damon) gets hit by an antena and disappears in the storm. Not being able to establish communication, Melissa Lewis (Jessica Chastain) , believing Watney to be dead, unwillingly decides they should take off before thw whole crew is left stranded on Mars.

The British filmmaker gives no quarters, putting us right there in the moment, not knowing the characters, giving us an adrenaline kick before a solitary first act. We finally get a break when we discover Mark alive. However, he is injured and alone in Mars, unable to contact the rest or the crew or NASA. Mark, a botanist, will have to find a way to survive by rationing the supplies they had for 31 days and cultivate food on martian ground to survive six years, until the next mission to Mars. He will also have to find a way to communicate with us on Earth. When they discover the astronaut is still alive, we move on to a multiple point of view story shared between the stranded astronaut, the crew and NASA. 

There is a marked contrast between how we live what is going on Mars and the rest of the storylines. Whilst the camera and the audience is an invisible and ominous observer of the NASA employees working to get Watney back to Earth and the crew returning to our planet, the approach is different for Watney’s storyline. Ridley Scott combines the ominous observer approach with a great use of GoPro cameras and webcams already equipped in the base camp. One of the main reasons is that Watney is alone and has no one to talk to, and there is a great deal of exposition to understand what is going on in his head, what ideas and decisions he is making and, of course, he offers us the guidance from the physical and botanical point of view. Mark Whatney intends to document what is going on in case he doesn’t survive, narrating and becoming our very own Bear Grylls. This execution probably serves the purpose of translating a first person narrator in Andy Weir’s book into film language. In some occasions we see how he delivers the whole speech and in others the dialogue becomes the vioceover of a montage where we see the character performing and carrying out his plans.

One of the most notable decisions of the filmmakers is the use of humor and sarcasm by the main character. The optimism and humor of the main character makes the film fresh and avoids the film becoming a grey or serious drama, someting that worked pretty well with “Buried” (Rodrigo Cortés, 2010). This wouldn’t normally enhance the dramatic conflict as the character takes things lightly and with such optimism, however they fund ways to subvert this feeling of us believing the main character will make it. What we probably do miss is the main character in the end of the second act, when NASA and their attempts to bring the astronaut back home have much more screen time than Watney at his worst: when time, lack of food and solitude have taken a mental and physical toll on him. Matt Damon and some good attention to detail on Riedley Scott’s behalf work very well when he does get the screen time.

In addition to Damon, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels and Sean Bean also deliver some good performances, butit seems the talents of an actress like Jessica Chastain aren’t made the most of, opposite to another sci-fi like “Interstellar” (Christopher Nolan, 2014), which shares with “The Martian” two of the main characters and the fact that they are an ode to the scientific and inquisitve spirit. The latest Ridley Scott film is very welcome and one of the most interesting outings of the filmmaker since “The Counselor” (2013). Is it a film to watch? Definately. Like Total Reccall's Douglas Quaid would say: “Get your ass to Mars.”

 

Marte: Último superviviente

La última película de Ridley Scott empieza con fuerza y sin contemplaciones. Estamos sobre la superficie del planeta rojo con una tripulación de astronautas cuando una tormenta les sorprende y perdemos de vista a Mark Watney (Matt Damon) tras recibir el impacto de una antena. Con el astronauta incomunicado y con el tiempo -cronológico y climatológico- en contra, la comandante Melissa Lewis (Jessica Chastain) termina por tomar la decisión de despegar por el bien de la tripulación dejando atrás a Watney, al que cree muerto. 

El director inglés no da tregua en los primeros minutos, sin apenas introducir a los personajes, dispara los niveles de adrenalina del espectador y lo atrapa para lo que va a ser un solitario primer acto. El primer suspiro llega cuando descubrimos a Watney con vida pero sólo en Marte, herido y sin forma de comunicarse con la NASA o sus compañeros. Mark, un botánico, debe ingeniárselas para racionalizar la comida de un mes y cultivar alimento en tierra marciana para sobrevivir seis años hasta la próxima expedición. También encontrará la forma de establecer contacto con la NASA, momento desde el cual se fracciona la focalización, para más tarde intervenir también la tripulación que vuelve a la tierra. 

Hay un contraste de estilos muy marcado entre el relato que sigue al personaje de Matt Damon y los demás. Mientras que la cámara es un mero observador invisible para los empleados de la NASA y la tripulación que comanda el personaje de Jessica Chastain, ocurre algo ligeramente distinto con lo que se nos cuenta desde Marte. Ridley Scott se apoya en las pequeñas cámaras deportivas -tipo GoPro o webcam- que tienen en el campamento base. Uno de los motivos es que el personaje no tiene con quien interactuar y hay mucha exposición, debido a que el espectador quiere y debe entender que decisiones toma y que el astronauta le guíe en términos físicos y botánicos de supervivencia. Mark Watney, dejando un documento de los hechos, se convierte en nuestro Bear Grylls particular y narra e interpela al espectador, sirviendo como una conversión al lenguaje audiovisual de su narración en primera persona en el libro de mismo nombre de Andy Weir. En ocasiones vemos cómo nos hace llegar el discurso íntegro y en otros su voz se convierte en el voiceover de una secuencia de montaje donde vemos cómo ejecuta esas ideas.

Uno de las decisiones más destacadas es el empleo del humor y del sarcasmo por parte del protagonista en esta situación. Esta decisión provoca que la película resulte fresca y no se convierta en un dramón, algo que también hizo con éxito Buried (Rodrigo Cortés, 2010). Aunque esto podría reducir el conflicto dramático y hacer que confiemos totalmente en que Watney se las apañara, ya se encargan de ir invirtiendo las expectativas para que lo pasemos mal. Lo que sí que se echa en falta es al personaje de Matt Damon en la parte final de la película, donde se focaliza la atención en los esfuerzos, problemas y planes de la NASA. En la parte final, donde el tiempo, la escasez y soledad del personaje le han afectado más, se deja de lado ligeramente al personaje cuando más cambiado y afectado está. Aún así, Matt Damon y una buena atención al detalle por parte de Ridley Scott hacen que funcione cuando sí que lo vemos.

Además de Damon, muy acertados están los terrícolas Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels o Sean Bean, pero quizás se echa en falta que se hubiera sacado más partido a una actriz de la talla de Jessica Chastain, como hicieran en una película de ciencia ficción que escoge otros derroteros como es Interstellar (Christopher Nolan, 2014), pero donde ambas comparten a dos de sus protagonistas y tienen en común el ser una oda al espíritu científico e inquisitivo. La última película de Ridley Scott se agradece y resulta de lo más interesante del director en los últimos años desde El consejero (2013). ¿Recomendable? Sí. Como diría el protagonista de Desafío total, Douglas Quaid: “Mueve tu culo hasta Marte”.

Mad Max: Fury Road

MAD MAX: FURY ROAD

Thirty six years have passed since the Australian filmmaker George Miller made his feature film debut. The first outing of Max Rockatansky was an irregular low budget film which had some powerful ideas: A post-apocalyptic world in which civilization is but a memory and petrol is the most valuable treasure, where gangs and bandits rule the Australian wastelands… the police do what they can to fight chaos.

The film would inspire a trilogy which would improve and build on the milieu and the main character. Other filmmakers and the industry itself would borrow many of the ideas explored in these films: The torture porn Saw saga are pretty much based on the ending of the first film,  whilst the setting and the mythology would also inspire filmmakers like the very interesting David Michôd, who directed “The Rover” as a follow up to the outstanding “Animal Kingdom”. Few could have forseen that George Miller, at 70 years of age, would come back and hit this hard. Unexpected considering the director had explored different genres after the last film of the original triolgy, making the more family friendly “Babe: Pig in the city” or “Happy Feet”.

“Mad Max: Fury Road” is a powerhouse, full of excess, a V8 engine which is out of control. The whole film is essentially one big pursuit. The image and sound are full of layers: engines roaring at full throttle, skidding and explosions… an elegy to cars and rock’n roll. It is visually stunning, a spectacle which blends Cirque du Soleil with what is probably one of the most well designed car pursuits we have seen. We also enjoy some interesting and risky ideas with how the Australian director plays with shutter speed in the initial part of the film, combined with an outstanding edition.

This last installment is a road movie that leaves the audience gasping for breath and on the edge of their seats. It isn’t only, however, all about the action… at the center of the story we have Max, who once again is presented as a full circle, with only flashbacks giving away his past. What we encounter is a loner, a survivor… ultimately it’s the classical lone character of westerns (specially in the European westerns or those made in the States as from the early 70's), with a shadowy past which is almost non-human, they are also usually a full circle. At the heart of this story we also find another character that will probably live on for some time: Furiosa. This no-nonsense female amputee is on a mission on which she is gambling with her life. Unlike the strong female character played by Tina Turner in the third Mad Max installment, Furiosa (Charlize Theron) is not the tyrant in this piece, she serves this character and escapes with his most precious belongings with the hope of reaching an oasis not unlike Paradise.

Furiosa is in pursuit of hope and redemption, reaching heaven on Earth, as is the dream of one of their prosecutors, the desperate and interesting character played by Nicholas Hoult, who wishes to reach Valhalla. These are the heart and soul of the film. And as for Max… he is the lone ranger who will have to fit in with others. He will have to abandon his much preferred solitude and help and protect others, first through obligation, and then, by choice. Mad Max is the metaphor for Saint Cristopher, the patron saint of travellers. The flashbacks Max gets talk to us about his past, as much as they serve for the character to keep moving forward, to stay in motion, to survive and to help the characters he is surrounded by in Fury Road. The character arch is interesting and powerful although he will be honest to his own solitary nature: a full circle. 

 

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

Treinta y seis años han pasado desde el debut en el largometraje del director australiano George Miller. La primera entrega cinematográfica de Max Rockatansky fue una irregular película de bajo presupuesto, que sin embargo trataba interesantes ideas: un mundo postapocalíptico en el que el mundo civilizado no es más que un recuerdo, donde la gasolina es el bien más preciado y donde las bandidos mandan en el desierto australiano, mientras que la policía hace lo poco que puede por mantener la paz.

La cinta original inspiró una trilogía que se expandiría y mejoraría los puntos fuertes de la primera. Otros muchos cineastas, así como la industria cinematográfica en sí, se han inspirado en estas películas: desde la saga Saw, que se inspiraría en la escena final de la primera película; hasta el mundo que se utilizaría como contexto de otros relatos, como haría David Michôd –responsable de la interesante Animal Kingdom (2010)-, que dirigió The Rover (2014).  Pocos habrían visto venir que George Miller a sus 70 años volvería a golpear tan fuerte. Sorprendente, teniendo en cuenta que desde que abandonara la saga de Mad Max haya abordado temas más familiares con cintas como Babe, el cerdito en la ciudad (1998) o Happy Feet (2006).

Mad Max: Fury Road, es un portento, lleno de exceso: un motor V8 fuera de control. La película es, esencialmente, una única y larga persecución. La imagen y el sonido están llenas de capas y profundidad: motores a toda revolución, derrapes y explosiones… una elegía a los coches y el rock‘n roll. Visualmente impactante, se trate de un espectáculo que mezcla el Circo del sol con la que podría ser una de las mejores persecuciones que hemos visto en la pantalla. El cineasta también nos hace disfrutar de decisiones arriesgadas pero interesantes, como el juego con los tiempos de obturación en los primeros compases de la película, combinados con un acertadísimo montaje.

Esta última entrega de la saga de Mad Max tiene al espectador sin aire y al borde de la butaca. Sin embargo, debajo de toda esa acción hay más… en el centro del relato tenemos a Max, que una vez se nos presenta como un personaje entero, con sólo unos flashbacks que nos hablan de su pasado. Se trata de un lobo solitario, un superviviente… en definitiva se trata del arquetipo del personaje del western –del europeo, o del western americano de a partir de los 70-, ese pistolero de oscuro pasado que a veces parece la representación de una fuerza sobrehumana. Son personajes enteros y redondos. La parte más humana de la película la encontramos en un personaje que seguro se mantendrá en la memoria del espectador: Furiosa. Esta mujer implacable y amputada se embarca en una misión que pone su vida en peligro. A diferencia del fuerte personaje femenino interpretado por Tina Turner de la tercera entrega de Mad Max, Furiosa (Charlize Theron) no es una tirana, sino una mujer al servicio del tirano, que escapa en busca de esperanza, materialiazada en el deseo de alcanzar un oasis.

Furiosa busca la esperanza y redención intentando alcanzar el cielo en la tierra, un sueño que tiene en común con uno de sus perseguidores, el interesante y desesperado personaje interpretado por Nicholas Hoult, que desea alcanzar el Valhalla. Estos son el alma y corazón de la película. En cuanto a Max… el lobo solitario debe aprender a integrarse con los demás. Deberá abandonar la comodidad de su propia soledad para ayudar a proteger a otros, primero por necesidad, y posteriormente por elección. Mad Max sirve como metáfora de San Cristóbal, patrón y protector del viajero. Los flashbacks de su pasado sirven también para que su personaje siga avanzando para sobrevivir, así como para ayudar a sus compañeros. El arco del personaje es interesante y poderoso, pero no dejará de ser fiel a su propia naturaleza solitaria naturaleza: un círculo que se cierra

Cursed hands: Only God Forgives & Santa Sangre

Only God Forgives (Nicolas Windng Refn, 2013) is the latest film of Winding Refn, who gave us Bronson (2008), Valhalla Rising (2009) and Drive (2011). The western archetype  of the almost mute hero with a troubled past is one of the things Only God Forgives has in common with Drive, which was the biggest success of the Danish director. There are also some common elements also the two previous films. The idea of  translating into film the subconscious is common to the film with Tom Hardy’s Bronson and Mads Mikkelsen’s One-Eye in Valhalla Rising. In all of these, the director abandons the tale itself and recreates dreamlike sequences that don’t make the plot move, but try to convey different sensations. These somewhat impressionistic scenes are more about a metaphor or foreshadowing of the future and the how it makes the audience feel. It is both in the norse story of Valhalla Rising and in the story set in Thailand, Only God Forgives, where the writer/director uses these dreamlike elements and symbolism to explore theological ideas and in the physical depiction of God as a human being.

It’s worth noting the shared ideas between Valhalla Rising and 2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrik, 1968), but on this occasion the article will focus on the last film released by Nicolas Winding Refn, Only God Forgives, a film about a mother and son, crime and redemption.

The character played by Ryan Gosling is a quiet man who lives in the shadow of his brother. The mother, in charge of a family drug organisation, had an obvious favourite and she travels to Thailand in order to get her least favourite son to avenge her loss. Ryan Goslings character, Julian, could have done this before her arrival, but when told his brother was killed for raping and killing a minor, he decided against it, as the monster his brother was found a deserved death. The mother played by Kristin Scott Thomas appears as a Lady Macbeth type. She encourages Julian to do what she says his brother would have done if it had been the other way around, something she would have obviously preferred. The fragile and disturbed Julian, as a submissive son being manipulated by his Mother who teases him with an affection he never received, tries to satisfy her by killing the man they find responsible, Chang, a retired policeman who didn’t kill the other sibling, but let the father of the girl kill him with the police not taking part. Apart from the Oedipal relationship between mother and son and the personification of God as one of the main characters, Winding Refn gives a symbolic importance to a physical part of Julian’s body: his hands. Our hands are very specific to humans as we can build tools, cultivate… These were one of the keys to evolution. But Julian’s hands can only be used to harm and cause damage. This is why the character won’t become close to anyone, male or female. This is what makes him lonely: the fact that those hands were once used to kill, when he was younger, and he’ll nave be able to use them to do any good. However, it’ll be his mother who encourages him and makes him use them again to fight whom she blames for the death of her son.

The idea of the mother using the body of her son for evil reasons can be found in Psycho (Alfred Hitchcock, 1960), but there is a less known cult film in which the mother uses the hands of a fragile son in order to look for revenge, where mutilation is one of the main themes, where the hands become a burden to the main character and where the subconscious is portrayed in a majestic way: that film would be Santa Sangre (Alejandro Jodorowski, 1989).

Santa Sangre tells us the story of a child brought up in a circus, where an abusive and equally admired father mutilates the child’s mother when she tries to kill him and a lover with whom he has an affair. Before the man dies victim of his wife, he leaves her with no arms… The child is put into a mental institution and grows up without speaking a word or engaging in any type of communication with other human beings, until one day her mother finds him. The man-child, played by Alejandro Jodorowski’s own son, escapes and becomes a known artist with a number of his own. He will be found strapped to his mother’s back whilst he puts his arms at the service of her needs. However, her needs can include violent and sadistic killings. Fenix, the son, is a clear victim of his mother’s wishes and can’t fight her will and, like Julian’s character in Only God Forgives, will seek for ways of self-destruction in order to free themselves from their mothers, for they can never come close to anyone, as they are both socially and sexually frustrated and inexperienced because of two elements: the figure of the manipulative mother and their hands… their cursed hands.

A part of being films about submissive sons to manipulative parents and the specific symbolic meaning of hands as instruments at the service of evil, they are both interesting films to watch in regards to the aforementioned representation of the subconscious. In this regard, Only God Forgives might be a difficult watch for some parts of the audience due to its tempo and the depiction of violence. The same can happen with the surreal Santa Sangre. All the tangents make sense when watching Only God Forgives and finding a credit in which Winding Refn dedicates his film to Jodorowski -the same happened with Drive-, as an acknowledgement to his influence. This is a director paying tribute to the Chilean filmmaker, writer and intellectual. 

Manos malvadas en Sólo Dios perdona y Santa sangre

 

Sólo Dios perdona (Nicolas Winding Refn, 2013) es la última película de Winding Refn, responsable de Bronson (2008), Valhalla Rising (2009) y Drive (2011). El héroe de oscuro pasado cuasi mudo arquetípico del western es uno de los elementos que tienen en común Sólo Dios perdona con Drive, la cual fue el mayor éxito del director danés. También existen elementos comunes a sus dos películas anteriores. LA ida de trasladar al lenguaje cinematográfico el subconsciente también tiene cabida en el Bronson que interpreta Tom Hardy y One-Eye, interpretado por Mads Mikkelsen en Valhalla Rising. En las películas citadas, el director encuentra momentos para abandonar el relato y construir una serie de secuencias oníricas que no hacen que la historia avance, sino que buscan el crear una sensación en el espectador. Son secuencias impresionistas que sirven como metáfora y que nos hablan sobre el destino de los personaje, que también tienen la finalidad de causar un sentimiento nuevo en el espectador. Tanto en Valhalla Rising como en Sólo Dios persona, el escritor y director emplea estas secuencias oníricas como herramienta al servicio del simbolismo, explorando ideas teológicas y la personificación de Dios.

Se podría escribir acerca de las ideas del ámbito metafísico compartidas entre Valhalla Rising y 2001: Una odisea en el espacio (Stanley Kubrik, 1968), pero en esta ocasión el objeto de interés es la última película de Nicolas Winding Refn; una cinta sobre la relación entre una madre y un hijo, sobre crimen y redención.

El personaje al que da vida Ryan Gosling es el de un hombre callado que vive a la sombra de su hermano a ojos de su madre. Esta está al cargo del negocio familiar que es el tráfico de drogas internacional. La madre tiene una obvia inclinación por el hermano del protagonista y viaja a Tailandia con el motivo de su muerte, para exigirle al hermano que aún vive que vengue la muerte de su hijo predilecto. Julian, el personaje de Ryan Gosling, pudo haber vengado la muerte de su hermano, pero decidió no tomar parte cuando descubrió que falleció a manos del padre de una joven prostituta a la que este violó y asesinó. La madre, interpretada por Kristin Scott Thomas, aparece como una especie de Lady Macbeth, ejerciendo su influencia para que su hijo actúe como desea, en este caso diciéndole que de haber sido él la víctima, su hermano ya habría llevado a cabo.  El frágil y sumiso Julian es manipulado con la ilusión de cariño y afecto por parte de la madre y saldrá en busca del que culpan como máximo responsable de la muerte de su hijo, el policía retirado, Chang, que permitió al padre de la fallecida vengarse y miró hacia otro lado. A parte de la relación entre madre e hijo con tintes a aquella de Edipo, y la personificación de Dios como uno de los personajes principales, Winding Refn dora de una importancia simbólica a una parte del cuerpo de Julian: sus manos. Nuestras manos y el famoso pulgar oponible nos distinguen en el reino animal, gracias a la posibilidad de crear herramientas, cultivar… una de las claves de la evolución. Pero las manos de Julian tienen una denotación negativa, y es que sólo puede utilizarlas para hacer daño. Esta es la razón por la que Julian no podrá establecer relaciones con nadie, sea del género que sea. Son sus manos lo que le hacen solitario: el hecho de que sus manos fueran usadas, ya desde su juventud, para asesinar. Por ello, sus manos nunca estarán al servicio de ningún bien. Será su madre quien le anime a usarlas de nuevo para enfrentarse a quien culpa de la muerte de su hijo.

La idea de la madre que usa el cuerpo de su hijo para hacer el mal se encuentra en la aclamada Psicósis (Alfred Hitchcock, 1960), pero hay una película de culto en la que la madre se sirve de la fragilidad del hijo y usa sus manos para vengarse, donde la mutilación es uno de los temas principales y donde destaca la representación del subconsciente: Santa sangre (Alejandro Jodorowski, 1989).

La película surrealista Santa sangre cuenta la historia de un niño criado en el ambiente circense, donde un padre abusivo tan admirado y temido por su mujer e hijo mutila a su mujer cuando esta intenta matarle a él y a su amante. Antes de morir a manos de su mujer, el hombre la deja sin brazos… El niño acaba en una institución mental donde se cría sin decir una sola palabra durante años ni establecer relaciones con otros seres humanos, hasta que un día su madre le encuentra. El hombre, que tiene la fragilidad de un niño, interpretado por el hijo de Alejandro Jodorowski, escapa y se convierte en un reputado artista con un número propio. Le encontramos durante el resto de la cinta pasando gran parte del tiempo con su cuerpo pegado a la espalda de su madre, poniendo sus extremidades a su servicio. Sin embargo, las necesidades de la madre incluyen actos violentos llevados a cabo contra mujeres… mujeres como la que se interpuso en su relación. Fénix, el hijo, es una clara víctima de los deseos de su madre y no puede enfrentarse a sus deseos por su fragilidad y sumisión, tal y como ocurre con la relación materno-filial de Julain y su madre en Sólo Dios perdona. Fénix y Julian también tendrán en común la búsqueda de la autodestrucción como forma de liberación de la madre, a la vez que están sexualmente frustrados y tienen grandes carencias en sus habilidades sociales debido a dos elementos: la figura de la madre manipuladora y en su expresión física, de sus malvadas manos, de las que también son víctimas.

A parte de ser cintas sobre hijos sumisos a padres manipuladores y los simbolismos específicos en lo que se refiere a las manos como instrumentos al servicio del mal, son películas interesantes por la anteriormente mencionada representación del subconsciente. Debido a ello, pueden ser películas difíciles de ver para ciertos sectores del público por alejarse del relato en busca de lo onírico y simbólico, por sus tempos o por la representación de la violencia. Aunque Santa sangre se encuentra bastante más en el terreno del surrealismo, uno termina de confirmar sus sospechas en cuanto a las similitudes cuando ve que en los créditos de la película de Winding Refn, hay una dedicatoria a Alejandro Jodorowski –algo que también hizo con Drive-. Se hace patente, por lo tanto, que se trata de un claro reconocimiento a la influencia del director, escritor e intelectual chileno.

Incendies (Denis Villeneuve, 2010)

Film is a lie, it’s this giant elaborate lie at the service of an idea: a truth. Denis Villeneuve’s film revolves around the revelation of a secret and the fulfilling of a promise.

A death, a notary and two letters given to two adult twins. The notary enlightens them with a truth: somewhere in the Middle East they have a brother and father that they never knew about. Here is where the question is raised for the siblings and the audience: Who was their mother? Who was Narwal Marwan?

“When the silence is broken and the promise is fulfilled... only then will you inscribe my name on my gravestone so it shines under the sun.”

The answer to this question is what the film explores for the rest of its runtime.  It’s a complex answer, as there are many dimensions to the character of Narwal. The audience gets to know her through the investigation of her daughter (who is helped by the notary and her reticent brother) as well as omniscient flashbacks. An absent mother, a young woman whose child is taken from her, a rebel, an activist, a martyr, a survivor, but above all, a mother in a constant search oh her child… a tragic heroine.

Narwal Marwan brings up her twins in Canada, but these might follow her past footsteps, as she grew up in a fictional country of the Middle East, where tension and conflict between christians and muslims is a breeding ground for fatality. The romance between a young Narwal with an unnamed muslim and her pregnancy, a result of this relationship, means her child is taken away from her, but before he is taken away, they tattoo three spots on his heel. This will be her only way to possibly tell her child from the rest of children and, ultimately, men she encounters. The day her child is taken away, she makes the promise of finding her son, to which she dedicates her life. The other siblings will have to complete the task for “the silence to be broken” and for her to rest in peace. The mother-child relationship and the religious theme of the story is passed on to a different generation. The religious aspect won’t be resolved, and is reminiscent of the violence and pain caused by every radical belief throughout our history. The storyline regarding the Marwan family will be resolved when a terrible truth is brought to light. The twins will find and face their brother and father: a family torn apart by war and tradition, condemning the Marwan lineage to a destiny not unlike those of the tragic heroes of  classic Greco-Roman drama.

The performances are faultless (with a special mention to Lubna Azbal and Mélissa Désmormeaux-Poulin) whilst the mise in scène and director's approach is nothing short of exceptional. The narration, rythm and the development of the conflict towards the tragic and emotional resolution stays in ones memory, never to disappear from it.

 An elaborate lie at the service of the truth.

INCENDIES (ESPAÑOL)

Si el cine es una mentira, esta construcción busca poner de manifiesto una idea: una verdad. En la película del canadiense Denis Villeneuve, la película gira en torno a la revelación de un secreto y el cumplimiento de una promesa.  

Una muerte, un notario y dos cartas para dos mellizos adultos. El notario le revela a los mellizos una verdad: en algún lugar de Oriente Medio se encuentran un hermano y un padre de cuya existencia no tenían conocimiento. Aquí se plantea el interrogante a los hermanos: ¿Quién era su madre? ¿Quién era Nawal Marwan?

“Cuando el silencio se haya roto y se haya cumplido la promesa… sólo entonces podréis grabar mi nombre en mi lápida, para que brille bajo el sol”.

La pregunta es a la que la película se pasa el resto del metraje intentando dar respuesta, y dicha respuesta es compleja. Hay muchas dimensiones para el personaje de Narwal. La conocemos a través de la investigación que lleva a cabo su hija, posteriormente también cuenta con la ayuda su hermano –que inicialmente se muestra reticente-, así como los flashbacks omniscientes. Una madre ausente, una joven a la que le arrebatan a su hijo, una rebelde, una activista, una mártir, una superviviente, pero ante todo, una madre envuelta en una búsqueda constante… una heroína trágica.

Narwal Marwan cría a sus hijos en Canadá, sin embargo, estos deben recorrer los pasos de su madre, que se crió en un país ficticio de Oriente Medio en el cual las tensiones y conflictos entre cristianos y musulmanes son el caldo de cultivo de la desgracia. El romance de una joven Narwal con un musulmán y su embarazo, fruto de esa relación, provoca que le arrebaten a su descendencia, un niño al que le tatúan tres puntos en el talón. Este tatuaje será lo único que sirva a la madre para reconocer a su hijo. En ese momento hace la promesa a la que dedica su vida y sus hijos deben cumplir para que “el silencio se rompa” y ella pueda descansar en paz. El conflicto materno-filial, así como el religioso; atraviesa varias generaciones, a pesar de que el conflicto dramático familiar sí que tendrá fin cuando la terrible realidad es revelada. Los mellizos encontrarán la verdad juntos y se enfrentarán a ella, en la búsqueda del padre y el hermano que desaparecieron de su vida porque la religión y la tradición les separó, condenando a los Marwan a sufrir un destino que emplea algunos de los elementos narrativos y claves de la tragedia clásica greco-romana.

El trabajo del elenco actoral es impecable -mención especial para Lubna Azabal y Mélissa Désormeaux-Poulin- y la puesta en escena por parte de Denis Villeneuve es poco menos que magistral. La construcción del relato, el ritmo y el desarrollo del conflicto hacia un final trágico y emotivo queda en la retina y en la memoria.

Una gran mentira al servicio de una verdad. 

Gone Girl (David Fincher, 2014)

The deconstruction of some of the axioms of our society. David Fincher is at the helm of written by Gillian Flynn, who adapts her own novel. The story revolves around the disappearance of Amy (Rosamund Pike) as well as all the media circus formed around her and her husband (Ben Affleck), who is in the eye of the hurricane.

Judgments. We all make judgments in order to simplify the world, for a better understanding. It’s easier to label according to a series of patterns tan it is to take the time to analyse the reality in ll it’s complexity. We do so, not necessarily  due to laziness, but probably due to a much more primitive reason: survival. We wouldn’t have lasted long if we were the type of species that took a long time to analyse the world and act accordingly without understanding patterns and labelling. In Fincher’s film, the characters (not only the main ones) make false projections of themselves in order to please. To please who? The answer is simple: society, or our own opinions, along with those of our families and neighbours… 

The disappearance of the main character is the beginning of an approach in which couple, fraternal relationships  as well as with the rest of the community, are deconstructed. The relationship of the main characters with the rest of the society is shown through media and social networks. The disappearance is what starts off and leads to all of the members of society to take part and make judgements regarding how socially acceptable the characters and the relationships are.

Society also has in mind what the correct mechanisms are for the well being of marital relationship, with certain behavior patterns assigned to women. Most societies are based on a patriarchal model, which means it’s men who decide what behavior and role is appropriate for a woman, Gillian Flynn’s text as well as the mesmerising performance of Rosamund Pike, offer us a female character for posterity; one that decides to abandon image of “Amazing Amy” or the idea of the sexually active woman that should work hard, be fun to be around with, etc.  All at the service of making her husband (Ben Affleck’s best piece of work) happy.

Gone Girl… The title could well be making reference to that idea of what our men’s society expects from a woman… a girl that leaves, never to come back. 

 

 

 

PERDIDA (David Fincher, 2014)

Perdida... o la deconstrucción de algunos de los axiomas que nos impone nuestra sociedad. David Fincher se encarga de la puesta en escena del guión de la novela de Gillian Flynn, que ella misma se encarga de adaptar. Un relato acerca de la desaparición de Amy (Rosamund Pike) y del fenómeno en que se convierte su búsqueda, con Nick Dunne (Ben Affleck) en el ojo del huracán mediático.

Juicios. Todos emitimos juicios -formados a priori o a posteriori- para entender el mundo. Es más fácil etiquetar en función de patrones que hacer el esfuerzo por descodificar todos los aspectos de la realidad. No es algo que se hace por vagancia voluntaria, necesariamente; probablemente lo hagamos por algo mucho más básico, como es la supervivencia. Seríamos presas fáciles si no pudiéramos decidir y actuar rápido en consecuencia sin el reconocimiento de patrones y la emisión de juicios por etiquetado. En la película de Fincher los personajes –no sólo los principales- proyectan una imagen de sí mismos que no es real, una acorde con lo que se considera correcto. ¿Quién debe considerarlo correcto? La respuesta es: la sociedad o el conjunto de opiniones propias, las de nuestros familiares, vecinos…

La desaparición de la protagonista da pie a un planteamiento en el que se deconstruyen las relaciones entre parejas hermanos, vecinos y la opinión pública, materializada a través de Internet, periódicos y televisión. Lo que acontece después de la desaparición de la esposa provoca que todos los actores de la función tomen parte en formar juicios en base a distintos factores para determinar si nuestros protagonistas y sus relaciones son más o menos aceptables socialmente.

La sociedad también se encarga de etiquetar en base a una serie de patrones cuáles deben ser los mecanismos óptimos para el funcionamiento de una relación matrimonial y, sobre todo, de asignarle una serie de actitudes y comportamientos a la mujer. La mayoría de las sociedades se basa en un modelo patriarcal, de modo que la perspectiva acerca de lo que debe ser una buena mujer no se corresponde con cómo lo ven ellas, sino con cómo lo vemos nosotros. El relato escrito por Gillian Flynn –una mujer- da la vuelta a la tortilla y –con el soberbio trabajo interpretativo de Rosamund Pike- componen un personaje femenino para el recuerdo que, en un momento determinado de su vida, decide dejar de ser “la increíble Amy”: la mujer casada que debe trabajar duro, ser divertida y sexualmente activa. Todo ello para satisfacer a su marido –sin duda alguna, el mejor trabajo de Ben Affleck-.

Gone Girl… el título de la película bien podría referirse a lo que el hombre o la sociedad de los hombres espera de una mujer… una chica que se fue para no volver.